¿Dónde está la bolita?

Por Oswaldo Osorio

Hay personajes, imágenes y situaciones del cine de Guy Ritchie que uno nunca olvidará. Y no tanto porque sean profundas lecciones de vida o verdades reveladas, sino más bien por lo impactantes e ingeniosas, además por su capacidad de jugar y hacer extravagantes o divertidas variaciones con los estereotipos de cine de gangsters. Planteado así esto parece una virtud, que ciertamente lo es y representa la esencia de su cine, pero de esto se desprende también su principal carencia, y es que todas sus películas no trascienden lo límites de los juegos y malabares narrativos, visuales y argumentales.

Su rutilante entrada al cine fue con Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998) y luego, con Cerdos y diamantes (Snatch, 2000), le da una vuelta de tuerca a su particular universo gangsteril y su narrativa rauda y compartimentada. En su momento fue inevitable asociar ese universo y narrativa con el cine de Quentin Tarantino, aunque en el caso de Ritchie se trata de una versión más ligera y efectista.

Su matrimonio con Madonna seguramente contribuyó a su vertiginoso éxito, porque, como se sabe, en la industria del cine casi siempre las películas más vistas son las más promocionadas, por eso este dato trasciende la mera nota de farándula. Pero este matrimonio le costó hacer una película, Swept away (2002), que no tiene nada que ver con su universo y que, por supuesto, lo único interesante que tiene es estar protagonizada por la eterna reina del pop.

Después de esa fallida incursión en un aburrido romance de aventuras, Ritchie vuelve a sus fueros con dos películas que se estrenaron en el país con sólo unos meses de diferencia, eso a pesar de estar separadas por tres años y, más particular aún, por los caprichos de la exhibición en Colombia, llegó primero Rochnrolla (2008) que Revólver (2005). Dos películas con más de lo mismo: gangsters chicos y gangsters grandes, robos, botines, asesinatos y personajes estilizados, algunos muy divertidos y otros verdaderos sádicos.

Revólver es una película sobre la venganza, casi un subgénero cinematográfico que descansa sobre la elemental idea de “voy, lo mato y vuelvo”, aunque en este caso es “voy, lo estafo y vuelvo”. La diferencia en ésta, como en todas las películas suyas, es que ese camino tan sencillo es llevado a un grado de complejidad y de convergencia de elementos (desfile de personajes, subtramas, conflictos secundarios, sofisticados engaños), que el interés por la venganza y la historia en general está es en cómo se hace y en sus procesos narrativos y argumentales, llenos de giros y arabescos, que se desprenden de esta simple misión.

Pero especialmente en esta película ese camino complejo se antoja más bien complicado, por eso la mitad del tiempo el espectador no sabe bien qué está pasando en relación con el contexto general de la historia ni a qué se refieren los diálogos. Para ajustar, su protagonista tiene unos desdoblamientos de personalidad y discusiones consigo mismo que, para sorpresa de todos, el director se vio en la necesidad de legitimar toda la lógica de este personaje y de su película con testimonios de académicos y hasta con el gurú de la auto superación Deepak Chopra.

Esta cinta, un poco más que el resto, es como el juego de ¿Dónde está la bolita?, que mantiene el interés del espectador con un movimiento constante, pero que es un interés por lo inmediato, es el juego por el juego, sin más profundidad que la del vaso que oculta la bolita. Es por eso que, por más que Guy Ritchie quiera darle una densidad a sus gangsters, como ocurre en esta película con el uso del siconálisis, todo se reduce a un espectáculo visual y narrativo que deslumbra e hipnotiza y que fascina por su ingenio para el efectismo. Es como mascar chicle y hacer bombas, divertido pero no imprescindible.

Publicado el 29 de mayo 2009 en el periódico El Mundo de Medellín.

FICHA TÉCNICA

Dirección: Guy Ritchie.
Guión: Guy Ritchie; adaptado por Luc Besson.
Producción: Luc Besson y Virginie Silla.
Música: Nathaniel Mechaly.
Fotografía: Tim Maurice Jones.
Reparto: Jason Statham, Ray Liotta, Vincent Pastore, André Benjamin, Terrence Maynard, Andrew Howard.
Francia, Reino Unido - 2005 - 115 min.

Wally “El Sucio”

Por Oswaldo Osorio

¡Ésta sí es una película de Clint Eastwood! Dirán seguramente quienes crecieron (y envejecieron) viendo al vaquero Sin Nombre de Sergio Leone y al duro policía de Don Siegel. Luego el mismo Eastwood,  como director, continuaría los pasos de sus dos maestros, haciendo películas de individualistas con madera de anti-héroes, definidos por su honestidad y sus principios firmes, aunque muchas veces algo fascistas. Pero a pesar de que acababa de hacer dos “películas de chicas” (Golpes del destino y El Sustituto) un tanto sentimentales y condescendientes, vuelve a sus viejas andadas con esta cinta impecable en su elaboración y contundente en sus planteamientos.

Sin hacer demasiado alarde, ni visual ni narrativo, el veterano Eastwood encara, delante y detrás de la cámara, una historia tan simple en su argumento como compleja en sus implicaciones. Con su mirada de viejo sabio, pero mascullando en tono recriminatorio y con el lenguaje que conoce, le da una mirada a su querida Norteamérica y a algunos de sus problemas más críticos: la violencia, el racismo y la intolerancia.

Luego de la muerte de su esposa, a Walt kowalski no le queda nada en la vida. Ni familia, ni salud y ni siquiera el país por el que luchó. Desde las primeras escenas el director-actor deja clara su posición desengañada y de desprecio (sin ahorrarse los escupitajos) ante las nuevas generaciones y su pérdida de valores, así como ante la sociedad entera, que es el resultado de esos nuevos valores.

Sin embargo, tampoco es radical, pues demuestra que puede dialogar con quienes están dispuestos a hacerlo, quienes por más diferentes que sean, tienen en común con él los mismos principios de civilidad y respeto. La crítica a la situación de su país se evidencia aún más cuando los únicos interlocutores que encuentra son sus vecinos de origen vietnamita. ¿Por qué justo esos chinos “contra” los que luchó en Corea? ¿Es que ya no es posible establecer ese diálogo con los de su país? La respuesta a esto es clara por la forma implacable en que describe a sus indolentes hijos y sus detestables nietos.

Si bien el esquema es conocido, el del viejo cascarrabias que termina demostrando su nobleza ante la gente más inesperada, a partir de él Clint Eastwood recupera un personaje ya definido en muchas de sus cintas como actor y/o director, desde Harry “El Sucio” (1971) hasta Deuda de sangre (2000). Es un personaje que funciona perfectamente como agente dramático y de acción, pero también para reflexionar sobre la sociedad y la naturaleza humana. Aunque ahora es un personaje más sosegado, igual que la cadencia narrativa de sus filmes, sin que esta calma socave de forma alguna la determinación de su carácter o su áspera y honesta visión del mundo.

Y justamente de estas últimas características es que se desprende el inesperado y refrescante ingrediente de humor que tiene este filme, a pesar de ser una historia sometida a una constante tensión por la amenaza de los antagonistas. La actitud políticamente incorrecta y declaradamente racista de Walt Kowalski, en especial en la relación con sus jóvenes vecinos, resulta siempre espontánea y divertida. Pero si bien es cómica la sarta de insultos y agravios a sus nuevos amigos, más que ofender, se evidencia que ésta es la forma de acercarse entre ellos, para no caer en sentimentalismos o delicadezas que no van con su naturaleza. 

Hacia el final, esa tensión de la historia se hace más fuerte, se consolida la relación entre el viejo patriota y los inmigrantes “chinos”, el humor sigue salpicando los diálogos, pero la crítica situación social a la que están sometidos no les deja otra salida que la confrontación, que la necesidad de tomar medidas tan radicales como la amenaza que los agravia. Y el viejo Clint Eastwood-Walt Kowalski hace lo que tiene que hacer, proporcionándonos un desenlace con todas las buenas virtudes de su carácter y su cine: rudeza, principios férreos, integridad humanista y contundencia cinematográfica.

Publicado el 20 de marzo de 2009 en el periódico El Mundo de Medellín.

Producción: Clint Eastwood, Robert Lorenz y Bill Gerber

Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens

Fotografía: Tom Stern

Reparto: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley.

USA – 2008 - 116 min.